Tendo como pano de fundo a WWI, ilustra algo do tragicamente ridículo do início da guerra no seu confronto entre duas eras tecnológicas incompatíveis. A cavalaria era o expoente máximo do assalto terrestre no século XIX, e o cavalo de guerra uma das cobiçadas armas de guerra. O seu anacronismo na WWI é demonstrado numa das primeiras cenas de batalha entre a cavalaria inglesa e um campo alemão preparado com metralhadoras. O cavalo rapidamente deixa a sua função mais nobre para funcionar apenas como animal de carga, para puxar artilharia pesada. Para dar apenas mais um exemplo destes anacronismos: no pré-guerra, enquanto exércitos de outros países adoptavam uniformes castanhos e cinzentos que ofereciam melhor camuflagem, as forças armadas franceses insistiam em preservar o seu uniforme tricolor, um verdadeiro alvo iluminado nos campos de batalha. O filme ilustra também um pouco o horror da guerra das trincheiras, as apocalípticas terras-de-ninguém, e as absurdas incursões de infantaria para fora das trincheiras no vã tentativa de avançar a frente mais uns metros.

No meio desta loucura, houve também momentos de grande humanidade. O filme ilustra estes rasgos quando o cavalo foge para a terra de ninguém, na batalha do Somme, e acaba por ficar imobilizado, envolto em arame farpado. Os soldados ingleses, por um lado, e os alemães, por outro, esquecem-se de todo o cenário de guerra e focam as suas atenções sobre o cavalo, tentando atrair a sua atenção com assobios. A razão da guerra, em si fugaz, é esquecida por todos. Um soldado inglês vai então, sob a fraca cobertura de uma bandeira branca, para a zona de ninguém, tentar libertar o cavalo. Um soldado alemão vem juntar-se a ele, com um corta arames, e juntos, entre conversa de camaradas, conseguem fraternalmente libertar o cavalo. De forma cavalheiresca, determinam com uma moeda ao ar quem leva o cavalo já liberto.

A cena recorda a situação verídica encapsulada no filme Joyeux Noël, no qual soldados Franceses, Escoceses e Alemães esquecem os conflitos ditados pelos seus superiores e confraternizam na terra de ninguém a primeira noite de Natal da guerra, cantando juntos, jogando futebol, e partilhando a sua humanidade comum. Trágico foi esses mesmos soldados, meses antes operários, artesãos, e agricultores, se terem deixado levar pelas ondas de nacionalismo em vez das vozes que clamavam pela unidade de todos os trabalhadores e apontavam o imperialismo – contrário aos seus interesses de classe – como o verdadeiro motor da guerra.

por Ken Loach.

CICLO DE CINEMA AO AR LIVRE – FILMES DAS NOSSAS VIDAS
13 pessoas escolheram 13 filmes, vão apresentá-los e debaterem-nos com os espectadores

Segundas-feiras de Julho, Agosto e Setembro
21h30, na Rua da Achada (Lisboa)
em frente à Casa da Achada – Centro Mário Dionísio

Como em 2010, as sessões semanais de cinema na Casa da Achada, durante Julho, Agosto e Setembro de 2011 são ao ar livre.
Desta vez, são os filmes que 13 pessoas – porque são 13 das segundas-feiras destes três meses -, de um modo ou de outro, ligadas à Casa da Achada – Centro Mário Dionísio, entenderam mostrar a outros que nunca os viram ou que nunca os viram ou que talvez os queiram rever.
São filmes muito diferentes, feitos ao longo de muitos anos. O mais antiga é de 1930 e o mais recente de 2010. Uns são de ficção e outros documentários, realizados em diferentes países.
O que os reúne é terem entrado nas vidas de quem os propõe e serem apresentados por quem os propôs.
E a Casa da Achada faz assim porque o cinema é parte das nossas vidas e fez parte da vida de Mário Dionísio.

Segunda-feira, 4 de Julho, 21h30
Casablanca
de Michael Curtiz (1942, 102 min.)
escolha de Sebastião Lima Rêgo

Segunda-feira, 11 de Julho, 21h30
Orfeu Negro
de Marcel Camus (1959, 100 min.)
escolha de Vítor Silva Tavares

Segunda-feira, 18 de Julho, 21h30
Quem tramou Roger Rabbitt?
de Robert Zemeckis (1988, 104 min.)
escolha de Pedro Rodrigues

Segunda-feira, 25 de Julho, 21h30
Mikis Theodorakis – A cor da liberdade (2ª parte)
de Yannis Katomeris (2010, 117 min.)
escolha de Luz Moita
Na sequência deste filme, haverá no dia 29 de Julho, às 18h, uma homenagem a Theodorakis, no dia do seu 90º aniversário, que inclui a projecção da 1ª parte do documentário Mikis Theodorakis – A cor da liberdade.

Segunda-feira, 1 de Agosto, 21h30
Uma noite na ópera
de Sam Wood (1935, 96 min.)
escolha de Regina Guimarães

Segunda-feira, 8 de Agosto, 21h30
Um dia em Nova Iorque
de Gene Kelly e Stanley Donen (1949, 93 min.)
escolha de Jorge Silva Melo

Segunda-feira, 15 de Agosto, 21h30
Casa de chá do luar de Agosto
de Daniel Mann (1956, 123 min.)
escolha de Filomena Marona Beja

Segunda-feira, 22 de Agosto, 21h30
Jonas que terá 25 anos no ano 2000
de Alain Tanner (1976, 116 min.)
escolha de Eduarda Dionísio

Segunda-feira, 29 de Agosto, 21h30
A regra do jogo
de Jean Renoir (1939, 110 min.)
escolha de João Pedro Bénard

Segunda-feira, 5 de Setembro, 21h30
Bullitt
de Peter Yates (1968, 114 min.)
escolha de João Rodrigues

Segunda-feira, 12 de Setembro, 21h30
Gente ao domingo
de Robert Siodmak (1930, 74 min.)
escolha de Miguel Castro Caldas

Segunda-feira, 19 de Setembro, 21h30
Outro país
de Sérgio Tréfaut (2000, 52 min.)
escolha de António Loja Neves

Segunda-feira, 26 de Setembro, 21h30
Um homem sem passado
de Aki Kaurismäki (2002, 97 min.)
escolha de Manuel Mozos

Aos muito lá de casa a quem a Cinemateca importa, e que lamentam as 13 sessões canceladas em Março e as 46 temporariamente suspensas em Abril, os filmes que não podem ser vistos porque os cortes no financiamento e a recente perda de autonomia -imposta pelo Ministério das Finanças- comprometem o transporte regular de cópias, o habitual programa estar reduzido a pobres fotocópias e o desdobrável apenas disponível on-line, e que lamentam e temem a interrupção do trabalho de restauro e o ANIM estar em risco e com ele todos os filmes do nosso espólio cinematográfico, por haver quem no poder ainda se pergunte se o cinema é património, a quem os filmes possam vir a faltar, encontro marcado na Cinemateca no dia 13 de Abril, à sessão temporariamente suspensa das 19h30 para pensar em formas de acção (projecções, manifestos, ocupações) pelo cinema que, no contínuo trabalho de coleccionar, preservar, documentar e apresentar, a Cinemateca permite existir.››

‹‹REVOLUÇÃO e REVOLTA são palavras difíceis de definir. Não são ‹‹estáveis››. E cada vez menos o são. E cada vez menos as usamos. E cada vez menos moram nas nossas cabeças. Como se o nosso tempo as dispensasse.
Talvez o cinema ajude a perceber o seu sentido. E o que foram aquelas REVOLUÇÕES e REVOLTAS que foi havendo pelos tempos fora. Ou algumas delas. Sem as quais não seríamos o que somos hoje:
Na nossa terra, em Abril, desde 1974, a palavra REVOLUÇÃO vai voltando, mais do que no resto do ano, aos discursos e às conversas, provocando por vezes algumas controvérsias. Por isso, iniciamos este ciclo em Abril. E continuamos por Maio – Maio do 1º de Maio, do Maio 68, do fim da Comuna de Paris… E por Junho, sem conseguirmos, mesmo assim, mostrar tudo o que nos apetecia.
Os filmes sobre REVOLTAS e REVOLUÇÕES que vale a pena ver (ou rever) são muitos. Grande parte, documentários. Mas escolhemos para este ciclo, sobretudo ficções (ou perto disso) a partir de acontecimentos. Abrimos ma excepção para Portugal 1974-1975. Ou mais ou menos clássicos, ou mais ou menos experimentais, ou mais ou menos conhecidos, todos têm, de uma maneira ou de outra, a História dentro. E tentámos aqui aumentar a ‹‹nossa›› História, diversificando continentes, países, épocas, classes sociais, derrotas e vitórias, autores, formas e locais de produção.
E por tudo isto e sobretudo pelo que são que, ainda mais do que nos outros ciclos, estes filmes são debatidos.››

Todas as segundas-feiras de Abril (excepto no 25), Maio e Junho, às 21h30, na Casa da Achada – Centro Mário Dionísio. Hoje começa com A Greve de Eisenstein. Ver aqui o programa completo.

Biutiful marca o regresso do mexicano Iñarritu às longas metragens, depois da trilogia dourada composta por Amor Cão, 21 Gramas e Babel (todos eles incríveis). Embora haja aqui elementos das obras anteriores, como o lado mais conturbado e profundo do amor do primeiro filme, a questão da morte de 21 Gramas ou o choque cultural de Babel, esta é a primeira obra a solo do autor, sem a presença do argumentista Guillermo Arriaga, e não inclui a abordagem mosaico, em que os destinos de personagens aparentemente sem qualquer ligação se encontram por causa de um episódio, de uma característica ou de um desígnio.

Contudo, grande parte dos traços do autor está bem presente em Biutiful. Continuam em destaque as personagens perdidas à procura de um rumo e da redenção e a apresentação de uma sociedade cruel e desumanizada, pontuada por momentos de uma beleza e de uma bondade subliminares. Ou ainda, uma forma de filmar muito tremida e próxima, de forma a causar algum desconforto ao espectador e a envolvê-lo mais de próximo na trama, e a sempre lindíssima banda-sonora de Gustavo Santaolalla, com o som poderoso do charango a acompanhar na perfeição a intensidade dramática do filme.

A isto acrescentamos (mais) uma interpretação avassaladora de Javier Bardem e a descrição crua do submundo de Barcelona. Ou ainda a profundidade emotiva da relação pai-filhos, provavelmente só com paralelo na fabulosa adaptação cinematográfica de A Estrada de Cormac McCarthy, e um final absolutamente sublime, que me deixou arrepiado de uma forma que já muito não acontecia. Assim sendo, não fico com dúvidas de que se trata de mais uma obra-prima de Iñarritu, talvez até a maior da sua ainda curta carreira.

No entanto, nem toda a gente acha isto, há quem faça críticas destrutivas ao filme. É o caso de Luís Miguel Oliveira, no seu texto “Óful”, publicado no Ipsilon. Com todo o respeito, não se trata apenas de uma crítica pouco feliz, mas reveladora de uma desonestidade intelectual tremenda. Desconheço se a crítica portuguesa tem algo de pessoal contra Iñarritu, mas que outra justificação se encontra para arrasar constantemente a obra do autor, tão elogiada por esse Mundo fora, nomeadamente no insuspeito Festival de Cannes? A crítica é livre e tem sempre uma certa subjectividade, mas há limites. É impossível não detectar ali uma marca de autor que o separa dos demais, uma preocupação grande pelos detalhes e cenas de cinema absolutamente obrigatórias. Algo que é objectivo e que uma crítica séria deveria valorizar.

Francamente, eu não suporto os filmes do David Lynch, mas, exactamente pelo que foi dito, seria incapaz de lhes dar bola preta ou uma estrela…

Em Fevereiro de 2004, Jean Rouch, cineasta e etnógrafo, morre nas estradas do Níger. Deixa uma obra cinematográfica imensa (mais de 120 filmes !) e atípica, intuitiva e inspirada: documentário etnográfico, sociológico, “cinema directo”, ficção…

Durante este mês, o Instituto Franco-Português presta-lhe homenagem apresentando um ciclo de filmes que permitirá descobrir – ou redescobrir – o trabalho de um homem livre, curioso e profundamente humanista: um “mestre louco”!

Nota do 5dias: Apesar da entrada ser livre, aparentemente há que marcar com a antecedência mínima de 2 dias.

Segunda-Feira 2 de fevereiro

19h00

LE DOUBLE D’HIER A RENCONTRÉ DEMAIN… (10 min.) de Bernard Surugue et Luc Riolon – 2004
Jean Rouch, radiante, apresenta em Niamey no Níger, a estreia do seu filme – « Le Rêve plus fort que la mort ». Quatro dias antes do seu desaparecimento, estas imagens de Jean Rouch, o seu riso, as suas palavras sobre a memória dos antepassados e a importância dos rituais, ressoam de uma forma singular. Um emocionante adeus!

LE RENARD (39 min.) de Ricardo Costa – 2006
Entrevistado no Musée de l’homme em Paris, Jean Rouch fala da universalidade dos mitos fundadores e dos seus parentescos em África, Europa e Médio Oriente. Um retrato íntimo no qual Jean Rouch evoca o sonho como origem de qualquer obra e as mitologias africanas como alimento da sua própria vida…

Com a participação de Germaine Dieterlen, grande nome da Antropologia visual e co-realizadora de numerosos filmes com Jean Rouch.
21h00

LA PYRAMIDE HUMAINE (90 min.) de Jean Rouch – 1961
A chegada de uma nova aluna, Nadine, é o ponto de partida para uma análise das relações inter-raciais no liceu de Abidjan. Reunidos por Jean Rouch, os alunos interpretam os seus próprios papéis numa “ficção” que encena novas relações sentimentais e de amizade entre brancos e negros.

Projecções seguidas de debates com Bernard Surugue, co-fundador da Fondation Jean Rouch, realizador e « compagnon de route » de Jean Rouch e com Ricardo Costa, realizador

Terça-Feira 3 de fevereiro

19h00

LES MAîTRES FOUS (30min.) de Jean Rouch – 1955
O filme mostra práticas rituais da seita religiosa do culto Hauka. Os praticantes são originários do Níger que trabalham no Gana e se reúnem para a grande cerimónia anual. Na “concessão” do grande padre Mountbyéba, após uma confissão pública, começa o rito da possessão.
Projecçaõ do filme seguida de uma entrevista de Jean Rouch sobre o filme. Extracto de Le Corps étranger de Ricardo Costa (15 min.) – 2006.

21h00

MOI, UN NOIR (73 min) de Jean Rouch – 1959
Jovens nigerinos deixaram o interior das terras para procurar um emprego na Costa do Marfim.
Acabaram em Treichville, bairro popular de Abidjan, desenraizados na civilização moderna. O herói que conta a sua história, adopta o nome de Edward J. Robinson como o actor americano. Os seus amigos escolhem, como ele, pseudónimos destinados a forjar, simbolicamente, uma personalidade ideal.

Projecções seguidas de debates com Bernard Surugue, co-fundador da Fondation Jean Rouch, realizador e « compagnon de route » de Jean Rouch e com Ricardo Costa, realizador.

Segunda-Feira 9 de fevereiro

19h00

PETIT À PETIT (90 min.) de Jean Rouch – 1972
Damouré, que dirige em Ayorou, uma sociedade de importação – exportação chamada « Petit à Petit », decide construir um prédio e parte para Paris para ver “como é que se pode viver em casas com andares”. Na cidade, descobre as curiosas maneiras de viver da tribo dos parisienses que descreve nas “cartas persas” enviadas regularmente aos seus companheiros…
Projecção seguida de debate com Brice Ahounou, jornalista e programador de filmes etnográficos e Rosa Maria Perez, antropóloga.

Terça-Feira 10 de fevereiro

19h00

CHRONIQUE D’UN ÉTÉ (90 min.) de Jean Rouch e Edgar Morin – 1960

Prémio da Critica no Festival de Cannes, 1961.
Durante o Verão, Edgar Morin, sociólogo, e Jean Rouch vão investigar a vida quotidiana de jovens parisienses para tentar perceber a concepção da felicidade. Em torno da pergunta inicial “Estás feliz?”, surgem questões essenciais como a política, o desespero, a solidão. O grupo interrogado reúne-se finalmente para a primeira projecção do filme e os dois autores encontram-se perante esta experiência cruel mas plena de “cinema-verdade”.
Projecção seguida de debate com Brice Ahounou, jornalista e programador de filmes etnográficos e Joaquim Pais de Brito, antropólogo e Director do Museu Nacional de Etnologia.

Segunda-Feira 16 de fevereiro

19h00

EN UNE POIGNÉE DE MAINS AMIES (35 min.) de Jean Rouch e Manoel de Oliveira – 1997
“(Este filme) é como todos os sonhos de crianças: realizámo-lo em menos de uma semana, passeando nas margens do Douro (…) Manoel e eu gritando os versos de um poema inspirado pelo vento, o rio e a amizade. ” Jean Rouch.

MOSSO MOSSO, COMME SI (73 min.) de Jean-André Fieschi – 1998.

Este encontro com Jean Rouch enquadra-se num “faz de conta”, no qual o realizador evoca o que se tornou para ele uma regra de vida e ao mesmo tempo de cinema: “Ao fazer “como se”, estamos muito mais perto da realidade”. Uma homenagem comovente habitada pelo espírito do cineasta!

Sessão em presença (a confirmar) do realizador Manoel de Oliveira e do produtor Bernard Despomadères.

Todas as noites, um prato africano ou da “cozinha do mundo” será proposto pelo Chef Pascal a partir das 19h30 para “alimentar” o debate.
Faça a sua reserva ! (mín. 2 dias de antecedência)
21 311 14 00 ou 96 009 94 52

Jantar (prato + bebida + café) : 10 Euros

http://www.ifp-lisboa.com

O realizador Gillo Pontecorvo morreu ontem. Teve a capacidade de criar uma obra que se mantém perigosamente actual: “A Batalha de Argel” (1965). Há dois anos, o New York Times noticiou que o filme foi passado numa sessão de trabalho no Pentágono. Os responsáveis norte-americanos, a braços com a insurreição iraquiana, pretendiam perceber como é que se domina uma população em revolta. A lição francesa sobre como torturar é uma experiência com muito crédito nos Estados Unidos. Os primeiros formadores da Escola das Américas – escola organizada pela CIA para torcionários de regimes amigos da América Latina – foram veteranos franceses da guerra da Argélia. O livro do Coronel francês Roger Trinquier, “La Guerre Moderne”, que explica pormenorizadamente a necessidade de utilizar a tortura para obter informações, e sobretudo para aterrorizar e humilhar a população civil, era leitura obrigatória dos comandos militares no Vietname. São os militares franceses que primeiro teorizam, de uma forma democrática, o número de civis, por baixa militar do ocupante que é necessário matar para garantir o domínio de um território. A investigação dos altos-comandos franceses dá-se na ressaca da derrota na Indochina francesa.
O filme do realizador Gillo Pontecorvo tem como fio condutor a história de militantes da Frente de Libertação Nacional (FLN), Ali-la-Pointe e seus companheiros que resistem na Casbah, o maior bairro popular da capital Argel, entre 1954 e 1957. Toda a acção centra-se num militar e ex-resistente aos Nazis, o coronel Mathieu (inspirado no coronel Jacques Massu – “o carrasco de Argel”), que utiliza e defende abertamente a tortura para desbaratar a resistência argelina e manter o país sob domínio dos franceses. O filme é de tal forma realista que esteve proibido na Argélia e em França (só exibido em Paris em 1971, tendo o cinema que o passou sofrido um atentado). Nas imagens sucedem-se cenas de tortura e ataques bombistas a militares e população francesa. A certa altura, é detido um líder da FLN argelina e exibido numa conferência de imprensa. Quando um jornalista francês lhe pergunta se “não tem vergonha de usar as mulheres argelinas para transportar bombas para fazerem atentados terroristas”, o nacionalista responde: “vocês bombardeiam as nossas aldeias com os vossos aviões, se querem trocar os cestos das nossas mulheres pelos vossos bombardeiros, nós trocamos imediatamente”.
Até ao fim do filme, o núcleo da FLN na Casbah é totalmente liquidado. No entanto, as manifestações aumentam, a revolta floresce e os franceses, depois de matarem mais de um milhão de argelinos, são obrigados a sair da Argélia.
Em tempos de “guerra ao terrorismo” e de defesa da tortura legalizada, este filme de Gillo Pontecorvo obriga-nos a pensar.

A história é soturna. Trata-se de um famoso e singular homicídio em Hollywood. Uma jovem aspirante ao estrelato foi serrada ao meio. Sangue drenado, rosto e corpo esculpidos com mais uns quantos mimos. O assassino nunca foi encontrado. A moça terminou célebre, sem dúvida.

Apesar de todo este material em bruto, o livro de James Ellroy é mau, mas pessoal. Tratando-se de Brian de Palma, esperar-se-ia que o filme não fosse pior. Mas é pior. E de pessoal tem pouco.

Não é que não tenha o ferrete do autor. Este é, definitivamente, um trabalho de De Palma e o esplendoroso curso da câmara confirma-o insistentemente. Dália Negra nada tem de desleixado. Bem antes pelo contrário. É absolutamente burilado, lavrado até ao osso. Contudo, se o pretexto das beldades condenadas até podia ser bem ao gosto do realizador, De Palma perde-se nos muitos fragmentos legados pela morta. Tanto quanto se embrenha nos olhos dos dois detectives. Um é mau e o outro é bom. Um é gelo e o outro é fogo. Um é louro e o outro é moreno…e duplicam-se no feminino…Enfim…Onde devia estar tragédia, estão comentários sociais. Onde se exigia vigor, espraiam-se puzzles de mil peças. Em vez de entranhas e lâminas, oferecem-nos uma fotografia excepcional. Da paisagem. Cortesia onde devia haver rasgo. Desprezo pela plateia onde se espera gancho. Demasiado enredo, pouco suspense, humor fora de tom, sexo em versão reticências, estranho casting e muitas –demasiadas – camadas, sem unidade ou coerência. Fora isso, está lá tudo.